勒阿弗尔

这电影只拍了50天，花了380万欧元，是一部不折不扣的小成本制作，可谓寒酸。同这个故事一样。令人叹为观止的是，每个细节，每个配角，龙套人物，每个细微动作，眼神，都有戏剧色彩，令人忍俊不禁，又泪流满面，这种从容不迫，点到为止，朴素又明确的表达力。

电影早已成为电影技术，电影高科技，有些人仍在持守他们的电影良心，因为这良心本来超越传媒，与电影无关。

这是一部无产阶级电影诗，是我们最熟悉的“新现实主义”。这是一部“登山宝训”，——在电影中被拿来调侃，主人公说：擦鞋匠的工作违背山上宝训，——这是一部基督徒的电影，尽管教会和神职人员永远是负面形象。

这是一部安慰穷苦人的影片，而这是耶稣命令的工作。

“凡为我的名接待一个象这小孩子的，就是接待我。”（马太福音18:5）

很多时候我都想方设法的找一些偏冷门点的小众片来看，不单单是因为其忠于电影本质的诚意、朴实和精巧，所带来的直击心底的触动，同时也想通过电影的直观表达，来完善一直以来对那些个披着神秘面纱国度的了解，的确，通过电影这扇万花筒般应有尽有的窗户，方见识到了很多国家博大精深的文化习俗，壮观震撼的历史遗迹，丰富多彩的生活方式，为我的憧憬和幻想添上了浓墨重彩的一笔，但有一个不走寻常路的牛掰导演，却反其道而行的给了我一个完全颠覆性的认知方向。

高端洋气的设计王国，完善殷实的社会福利，安居乐业的当地居民，这是我一直对芬兰留下的固有印象，宛如童话世界般充满着令人期望的各种美好，但这位享誉世界举足轻重的国宝级导演却完全扭转了我之前的片面认识，在他的影像中唯一保留的或许只有那冰冷彻骨的冷峻之感。乐此不疲的执迷于底层人民或边缘人物，两极分化下的生活状态，迷茫孤寂游离忧伤的情境氛围，慢条斯理的节奏把控，独到微妙的细节捕捉，以及对色彩象征性的有心运用，对人物异常木讷的刻画，从而绘制出一幅更为写实而冰冷的芬兰画卷。

在阿基的影像中，这个人人称羡的社会不再有安定、保障、和谐、公平和富足，就像卸下了外表看似光鲜亮丽的伪装，用一种看似更为冷酷实则更为关怀的心态看待现实生活。而这种视角也成了阿基充满了无限魅力的独有风格，但阿基也并非是一个无情决绝的人，他那一本正经的冷幽默和温暖的人情味一直贯穿在他那看似充满批判反思的光影世界中，面对往往一盘死水无可救药般的生活状态时，阿基大多会从中注入一丝绝妙的暖流，这种难得的温情在最近的作品《勒阿弗尔》中，破天荒的波及到了每个人身上。

放弃了过往风光无限生活的马塞尔，带着妻子来到小城勒阿弗尔，擦起了皮鞋过起了平淡的生活，影片一开始就有一个小小的突发事件夺人耳目，相当有趣，这样的生活或许清苦了些，但不难看出市井小民的生活反倒更加多姿多彩。一开始当地的居民对马塞尔的赊账表现了些许的不满，但随着马塞尔意外帮助了出逃的男孩，呵护备至的藏匿他，全力以赴送她去找自己的母亲，刚开始也有人举报，但慢慢地好心的居民都开始伸出援助之手，助其躲藏甚至还读起了《卡夫卡》，而此时双重危机却同时来袭，一面是看似铁面无私冷酷无情的警官的步步紧逼，一面是卧病在床故作坚强的妻子，但生活并未按常理想象的那样将马塞尔逼入死角。

阿基一直保持着自己自成一派的风格，夫妻俩关于胖瘦的对话让人不禁会心一笑，还是那点淡定自若可爱的冷幽默，人物脸上大多时候还是一张张似曾相识的扑克脸，呆滞般的停顿像极了小时候看的国产动画片，色彩的运用和构图的精致已成了阿基的拿手绝活，对观者的情绪也起到了绝妙的“添油加醋”的作用，还是习惯性保有对下半身的特写镜头，以及对于音乐那永不消退的痴迷，年过半百耳鬓斑白的小鲍勃充满活力的登台表演就足以证明了，阿基电影里的配乐永远都是那么悦耳，那股忧伤的调子格外的动人，这些打上阿基牌的一贯特征往往让人久久难以忘怀。

若没有对于贫富、阶级、种族的偏见和误解，打破芥蒂与隔阂，相互理解包容的生活在一起，就像勒阿弗尔一样每个人都有颗善解人意乐于助人的玻璃心，呈现出一片平和温情的景象，就连外表冷酷古板的警官也有柔情的一面，相信即使是劣迹斑斑的社会也会有春暖花开的一天，就像最后那棵给予了无限生机的樱花。面对每个国家或许都会存在的困境和难题，最近余华用“死无葬身之地”表达了对于社会现实的心灰意冷、束手无策和愤懑决绝，而越来越心慈手软的阿基则用1+1化悲为喜的双重叠加的反转手法，让我们见识到了人间有温情和希望的美好，凡事都不要太悲观，终会出现正面的转机，人以善为本，即会获得光明的慰藉和幸福的眷恋。

电影开始的第一个场景就非常戏剧化和有个人风格，还出现了一张东方人的脸，我以为是中国人，后来知道原来是偷渡到美国的越南人。

看完电影我以为这是一部老电影，甚至自己觉得有点老苏联的感觉，虽然我并不了解苏联但是我就有这样的感觉，里面充斥着一种让我感动的朴素情怀，有点浪漫革命主义的感觉（好吧，我可能想多了）。就像是最后出现的白色花朵那样纯粹的颜色，这样的表达方式我已经很久没在电影里看到了。电影结局几乎是脱离现实的，其实那个小镇的描写也几乎是脱离现实的，乌托邦式的理想化，那样的美好，让我更有一种悲观的感觉，因为现实生活中就不可能嘛，警察包庇，黑人小孩成功逃走，人与人之间是那么和谐，绝症奇迹般地好了，这完全是理想化的。但是我赞同导演这种建立一个乌托邦的想法，因为这表达了导演对朴素感情和美好生活的希望。

但一看时间电影竟然是2011年上映的还在法国取景，我开始没明白自己的困惑，后来看了导演资料才知道，原来是因为在这部2011年的新电影却竟然没有出现任何现代的信息，没有炫目的手机，没有崭新的大房子， 没有铺天盖地的电子通讯和网络，没有豪车，没有辣妹，就像导演前几部在芬兰拍的片子遭受到了当地人的反对和抗议因为他们觉得导演竟然把他们芬兰拍成这样，别人还以为芬兰像电影里一样落后和贫穷，那是一个以诺基亚闻名的国家，还有暴力，性，武器充斥的好莱坞大片时代。在他的电影里有的只是一个长相普通以擦鞋为生的中年男人，还有他同样中年的并不漂亮的老婆，还有很多普通的中年人，几乎没出现一个年轻人，一点不喧哗，一点不哗众取宠。

男主角饰演的擦鞋匠，他帮助偷渡的黑人小孩到“岸那边去”，他教会他擦鞋来谋生和自己一样谋生的一样，虽然在我看来他活得很艰难，但他却不觉得。他对小孩说虽然有更多可以赚更多钱的工作但是这是最接近人本身的工作，他说这也是登山宝训中最不入流的工作。他用纸包裹起来妻子要求的黄裙子，这样的方式难道不打动人嘛？

他的老婆，这个反复出现在阿基·考里斯马基电影的女人，几乎是御用女主角，她并不漂亮，但却让我喜欢，因为她在这部电影里是那么有尊严，阿基·考里斯马的电影给我最强的感觉是里面的每个人，每个小人物，每个反派，正派都那么有尊严。

我发现这是大导演一贯的作风，有自己习惯用的女主角，比如贾樟柯老是用赵涛做女主角，还成了夫妻。这个女人在阿基·考里斯马基的电影里从年轻到老，几乎留下了每个阶段的影响，在火柴厂女工里她是年轻的女工，薄暮之光里她是超市收银员打了一下酱油，出现了一下下。他在家中等待丈夫工作回家，将丈夫擦鞋挣的钱放进抽屉里的盒子里，给他一些让他出去喝酒然后她做饭，几乎没有更多的表情，就像是最最平凡的底层人民，但在她突然抬起头望向远处虚无的镜头那个眼神震惊了我，而这种拍摄方式让我觉得特别怀旧和朴素，但却不影响它比其他的好莱坞大片动人太多。

里面苦难的越南人，他也一样艰难，但他也不觉得，他活得很有尊严，他有自己幸福的家庭，孩子老婆，他可以将自己存的给孩子买自行车的钱来帮助黑人小孩逃走，他觉得他自己是很幸福的而黑人小孩更需要帮助，而自行车可以再买，最后也是他帮助小孩逃走，用卖菜的车藏了小孩。

我在看完这部电影后因为被导演的风格打动，又看了他导的火柴厂的女工和薄暮之光，但还是更喜欢勒阿弗尔。他的电影里都是最最平凡的底层人的生活，他们在现实生活中挣扎，被打压，几乎是被社会抛弃的人，但是他们又都还抱着一点对生活美好的遐想，像黑暗中微弱的火花，脆弱而又坚韧。在导演阿基·考里斯马基的电影中的人物都几乎表情很少，动作僵持，场景很少，酒馆，餐厅的桌子，还有家里的沙发和桌子是他最常用的场景，里面都惊人的没有出现几乎任何现代的信息，就连开的车也是复古古董车而不是豪车，除此之外音乐也是阿基·考里斯马基电影里总是出现的元素，几乎都是50年代摇滚音乐，在勒阿弗尔中是为了筹集帮助黑人小孩逃亡的钱而举行的公益演唱会，那个很久没开口唱的歌手和他的伴侣，他们彼此相爱，她是他的缪斯女神，灵感来源，没有她他无法唱歌。里面的每个角色都让人喜欢。在导演的电影中老是会出现音乐的元素，或是在寂寥的酒馆孤单的男主角站在女人旁边，忧愁地看着她，或者是在希望彻底破灭的房间中孤单的女人独自听着歌曲。
我百度了一下导演的资料：
他说“我所需要的全部就是一个男人、一个女人、一面墙、一盏灯还有阴影。从画面里拿走女人，剩下男人、墙、灯还有阴影；再拿走男人，还有墙、灯、阴影；墙再拿走，还有灯和阴影；最后拿走灯，留下的只有阴影。我不怎么现代，电影里的汽车也都是用过时的款式，现在的车太难看了，我根本就不想拍它们。”他自己的收藏都是老车：1949年苏联产的“莫斯科人牌”轿车、1951年的雪佛兰皮卡，还有1956年的一部大公交车：雪佛兰的发动机，车身却是芬兰的木头。
而他极度厌恶好莱坞，按他的话说就是“好莱坞狗屁！让美国佬去赚钱吧，当他们的钱多得装不下时，我再从地上捡几个小钱——这就是我们说的艺术电影”。
我觉得他做到了他说的只剩阴影。

（芷宁写于2012年6月21日）
    蓝色的杂货铺、红色的面包店、可爱舒适的小酒馆、简朴老旧的家居、狭长而清洁的窄巷……影片《勒阿弗尔（Le Havre）》中的勒阿弗尔朴素简洁到不像是法国诺曼底地区的第二大城市，倒像是一个恬淡安宁的往昔小镇，但在阿基·考里斯马基的光影再现中，它得其所哉，如此风格的街景氛围恰是考里斯马基极简主义影像风格的需要，两者在返璞归真般的光线游走中达成了一种微妙而真诚的结合，让一切都显得从容而贴切。
    该片算是阿基·考里斯马基作品中最为温馨的一部，片中的每个人都拥有美好而高贵的心灵，最后那超越病理常规的结局也像是一份甜美之极的礼物，或者说是对善良的犒赏。然而，除却这份温情无限的诗化，影片还是拥有着考里斯马基影片的突出特点：对白精炼、节奏舒缓，时不时地黑色幽默一把，叙事也没有多余的枝杈，人物表情更是单一，有时甚至可以说是停滞状态，如导演的“御用”女主角卡蒂·奥廷宁的面部神情，总是那么得“丧”，但难得的是这种呆滞的表情也能表现出丰富的内心戏。
    本片和考里斯马基其他的作品一样涉及社会问题，依旧关注底层人的生活，依旧描摹他们那简单纯良天真的本性，只是这次，阿基·考里斯马基这位芬兰影坛的奇才没有采用惯用的悲观挣扎无奈乃至嘲讽的基调，他似乎在原本打算退休的这几年里，休养生息，发现了内心的另一种需求，从而将那些人性和良知表现得更为明确，且充盈着一种大鸣大放的温暖。
    影片涉及非法移民等敏感话题，却没有让对立的双方在故事里剑拔弩张，阿基用另一种淡淡的人文关怀的调子去解决这个难题，最后那位冷面黑风衣警探的出手相助，更将温暖和善意默默地推到临界点。迪特里希·潘霍华说：“为孩子们所做的一切应成为衡量社会道德的标尺。”片中那些人的行为彰显着他们所维系的道德标准。
    除却偷渡的黑人小男孩，其他片中人清一色中老年，他们的生活规律而寂寥，有的还很清贫，如主角，擦皮鞋并不是旱涝保收的谋生手段，但在他们平淡无奇的小生活中，并不失小乐趣小情结，他们或许潦倒，或许落寞，或许固守着原有的世界，但他们乐天安命，对外来新鲜的人和事并不排斥，拥有一颗追求真善美的心灵。
    片中也不乏给力的摇滚乐，但依旧是导演钟爱的上世纪五六十年代的老摇滚乐，那个为了送小男孩去伦敦寻母而开唱的募捐音乐会上，拉风的唱将叫做“小鲍勃”，名字里虽然有个“小”字，却也已是垂垂老矣的家伙，他一身酷装劲歌时的画面，持续了不少时间，令观众体会到那句老话，“摇滚是一种精神。”而且，这位一脸褶子的小鲍勃依旧视爱情为音乐的源泉，他和年老的妻子之间的爱是他歌唱的动力。不仅歌唱，生活也需要爱和动力，且愈久弥坚。
（杂志约稿）

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